Jeden z našich odborníků vám představí pohled na období od roku 1930 do roku 1934, kdy se z nedokončeného projektu stala tato nemovitost nejpůsobivější v historickém centru Mexico City.
Na začátku 20. století zadal Porfirio Díaz italského architekta Adamo Boari projekt impozantního Národní divadlo který by nahradil ten, který byl vznesen v době Santa Anny, a dodával by jeho režimu větší lesk. Práce nebyly dokončeny podle původního záměru, a to z důvodů, které se pohybovaly od ekonomických (zvýšení nákladů), technických (kolaps budovy, který byl zaznamenán od prvních let její výstavby), až po politické ( vypuknutí revolučního hnutí začalo v roce 1910). Od roku 1912 uběhla desetiletí bez významného pokroku v práci. Nakonec v roce 1932 Alberto J. Pani, poté ministr financí, a Federico Mariscal -Mexický architekt, žák Boarii- převzal odpovědnost za dokončení již staré budovy. Brzy si uvědomili, že nejde striktně o dokončení porfirianského divadla, ale o důkladné přemýšlení o novém osudu budovy po důležitých změnách, které zažilo Mexiko, zejména v kulturní oblasti. V dokumentu z roku 1934 vyprávějí Pani a Mariscal příběh:
„Stavba Paláce výtvarných umění prošla během dlouhých třiceti let nesčetnými incidenty, které se v naší historii shodují s radikální transformací společnosti.“
"Od okamžiku, v roce 1904, kdy byly položeny základy honosného Národního divadla, až do okamžiku, v roce 1934, kdy bylo všem otevřeno lidem, pro jejich službu, Palác pokuty Umění, došlo k tak hlubokým změnám, že se stále odrážejí v historii stavby. “
Dále se Pani a Mariscal vrací k prvním dvěma epochám výstavby divadla v počátečních desetiletích století, aby se vypořádali s obdobím, ve kterém jednali, což nás nyní zajímá:
"Ve třetím období, které zahrnuje pouze roky 1932 až 1934, je nová koncepce gestována a realizována." Jméno Palác výtvarných umění definuje to dostatečně jasně na to, aby varovalo, že Národní divadlo porfirianské aristokracie nejen zmizelo - alespoň tak, jak bylo původně koncipováno - ale že národ byl vybaven nepostradatelným centrem pro organizování a uvádění jeho uměleckých projevů všeho druhu, divadelní, hudební a plastické, ne rozptýlené a neúčinné jako dosud, ale řádně formulované do souvislého celku, který lze nazvat mexickým uměním.
To je myšlenka, s níž revoluční režim dosáhl plnosti, místo aby dokončil Národní divadlo, postavil ve skutečnosti novou budovu - Palác výtvarného umění -, která již nebude hostit večery nemožné aristokracie, ale koncert, konference, výstava a přehlídka, které každý den označují vzestup umění jako je naše ... “
Dokument trvá na postoji, který zaujala společnost Pani:
„… Pokud dílo nereaguje na sociální potřebu, může být trvale opuštěno. Nejde nyní o jeho uzavření za účelem jeho uzavření, ale o zkoumání, do jaké míry je uložena ekonomická oběť, kterou její závěr vyžaduje.
Nakonec Pani a Mariscal podrobně popisují úpravy uložené Boariho projektu, aby dali budově nové využití, které považovali za zásadní. Tyto úpravy odkazují na změny nezbytné k tomu, aby palác mohl plnit svou velkou rozmanitost funkcí. Tato myšlenka byla na tu dobu revoluční, ai když jsme si na ni už zvykli, nesmíme ztratit ze zřetele skutečnost, že prvotní místo, které tato budova od té doby zaujímá v mexické kultuře, je přímo spojeno s proměnou, kterou její koncepce prošla v roce 1932. Rušný činnost, která se během dne koná v Paláci výtvarných umění, s veřejností, která navštěvuje jeho dočasné výstavy, aby obdivovala jeho nástěnné malby (ty, které Rivera a Orozco byly pověřeny pro inauguraci paláce v roce 1934; později ty z Siqueiros, Tamayo a González Camarena), k prezentaci knihy nebo k poslechu konference, by bylo nemyslitelné, kdyby byla budova dokončena podle účelů Porfirio Díaz. Koncepce Pani y Mariscal je vynikajícím svědectvím o kulturní kreativitě, kterou Mexiko plně zažívalo v desetiletích následujících po revoluci.
Pani sám zasáhl v roce 1925 do těhotenství další národní instituce zrozené z revoluce: Bank of Mexico, také sídlí v porfirianské budově, jejíž interiér byl upraven pro své konečné místo pomocí Carlos Obregon Santacilia pomocí dekorativního jazyka, nyní známého jako art deco. Stejně jako v případě Paláce výtvarných umění si zrození banky vyžádalo dát jí, pokud je to možné, tvář podle nové éry.
Během prvních desetiletí 20. století hledala architektura a dekorativní umění ve světě nové cesty a naléhala na renovaci, kterou 19. století nenašlo. Secese byla v tomto ohledu neúspěšným pokusem a od ní vídeňský architekt Adolf loos, prohlásí v roce 1908, že všechny ozdoby by měly být považovány za trestný čin.
Svým vlastním dílem položil základy nové racionalistické architektury, stručných geometrických objemů, ale také navázal s dalším vídeňským, Josef Hoffmann, základní linie art deco, které by se vyvinuly ve 20. letech 20. století jako reakce na radikálnější návrhy.
Nemá rád art deco kritického štěstí. Většina příběhů moderní architektury ji ignoruje nebo pohrdá jejím anachronismem. Vážní historici architektury, kteří se s ní zabývají, tak činí jen okrajově a tento přístup se nemusí v budoucnu změnit. Italové Manfredo Tafuri Y Francesco Dal Co., autoři jedné z nejpevnějších historií architektury 20. století, věnují pár odstavců art deco, které jsou zkrátka možná nejlepší charakteristikou tohoto stylu. Analyzují především důvody jejich úspěchu ve Spojených státech:
„… Dekorativní a alegorické motivy vyvyšují snadno asimilovatelné hodnoty a obrazy, vždy založené na přísně předurčených řešeních na ekonomické a technologické úrovni. [..] Architektura Art Deco se přizpůsobuje nejrůznějším situacím: výstřednost jejích dekorací uspokojuje reklamní záměry velkých společností a slavnostní symbolika kvalifikuje ústředí společnosti a veřejné budovy. Luxusní interiéry, namáhavá hra vzestupných linií, obnova nejrůznějších ornamentálních řešení, použití těch nejušlechtilejších materiálů, to vše stačí k začlenění nové „chuti“ a nové „kvality“ mas do toku. chaotický z metropolitní spotřeby. “
Tafuri a dal Co také analyzují kontext pařížské expozice z roku 1925, která uvedla do oběhu art deco.
"V podstatě se operace omezila na zahájení módy a nové chuti mas, schopné interpretovat typicky buržoazní ambice obnovy, aniž by upadly do provincialismu, ale poskytovaly záruku umírněnosti a snadné asimilace." Jedná se o vkus, který dosáhne obrovského vlivu v širokém sektoru severoamerické architektury a zajistí ve Francii tiché zprostředkování mezi avantgardou a tradicí. “
Právě tato kompromisní situace mezi avantgardou a minulostí způsobila, že se art deco stalo obzvláště vhodným pro dokončení stavby, jako je Palác výtvarných umění, která začala před třiceti lety v jazyce dnes již zaniklé tradice. Velmi vysoká prázdnota pod kopulemi, které zakrývaly velkou halu budovy, kolem níž se točí výstavní prostory, umožnila v ní efektním způsobem zobrazit „namáhavou hru vzestupných linií“. Nacionalistické proudy, které se tehdy vyskytovaly v mexickém umění, by také našly v Art Deco odpovídající podporu pro uplatnění v paláci „dekorativní a alegorické motivy [které] vyvyšují snadno asimilovatelné hodnoty a obrazy“, přičemž by využily každou příležitost, aby nás překvapily „excentricitou jeho dekorace “a„ slavnostní symbolika “, aniž by se zapomnělo na„ obnovení nejrůznějších ornamentálních řešení [a] použití nejrafinovanějších materiálů “. Nelze nalézt lepší slova, než výše uvedená, která by mimo jiné popisovala mexické motivy - mayské masky, kaktusy, leštěnou ocel a bronz, které přitahují pozornost návštěvníků paláce.
Synovec Alberta J. Paniho, mladého architekta Mario Pani, která nedávno absolvovala École des Beaux-Arts v Paříži, sloužila jako spojka pro francouzskou firmu Edgar Brandt, velmi prestižní a jejíž boom se přesně shodoval s Art Deco, aby poskytla výše uvedené dekorativní prvky (ke kterým musíme přidat dveře, dveře, zábradlí, zábradlí, lampy a některé kusy nábytku), které jsou tak důležitou součástí výzdoby představení, haly a výstavních prostor. Zbytek působivého účinku těchto prostor byl dosažen pozoruhodnou ukázkou vzácného barevného národního mramoru a onyxu. Nakonec byl ve stejném stylu navržen obklad kopule, který zakončuje vnější část paláce Roberto Alvarez Espinoza pomocí měděných žeber na kovových výztuhách a keramických povlacích kovových tónů a úhlové geometrie v segmentech, které oddělují žebra. Tyto kopule, jejichž chromatická gradace přechází z oranžové do žluté až bílé, tvoří jeden z nejcharakterističtějších rysů paláce a navenek představují nejdůležitější výraz art deco.
Nejen úspěšný efekt, kterého bylo v budově dosaženo, ale také vynikající výzdoba, která ji umožnila dokončit, by nás nyní měla upozornit. Jak již bylo zmíněno, je třeba si uvědomit, že po nádherných art deco kuličkách, ocelích, bronzech a krystalech, které nyní vidíme, se od uvedení do provozu 29. září 1934 zvýšil také jeden z nejoriginálnějších uměleckých projektů šíření. kdekoli na světě, koncipován - ne náhodou - během chvíle zvláštní intenzity v kulturní historii naší země: Palác výtvarného umění.
